艺术的数字化包括两个基本的方面，一个是对原有的艺术作品进行数字化转化，一个是运用数字化技术手段进行艺术创作。这两个方面都与我们的日常生活发生连接，对我们感知生活的方式，感知城市的方式发生影响。
吴县文物数字展上的观众 陈霖拍摄
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从根本上来讲，艺术本是生活的一部分，即两者本来就是相连的。哲学家约翰·杜威在《艺术即经验》中告诉我们：“一件艺术作品，不管多么古老而经典，都只有生活在某种个性化的经验之中时，才在实际上而不仅仅潜在地是艺术作品。”强调的就是艺术与生活的不可分割，创作艺术的经验和感知艺术的经验之间有着连续性。但是，当文明发展到一定的阶段，两者的分离出现了，艺术在很多时候成为远离俗常之人的东西。就像艺术史家贡布里希所说的：“大写的艺术已经成为叫人害怕的怪物和为人膜拜的偶像”。一旦一件作品被承认为艺术品，就成为独立的存在物；一旦成为经典，获得了某种特权，它们在自身周围久筑起了一堵墙，列夫·托尔斯泰作品集，披上一种光环，也往往变得让普通人难以理解。加之社会文化制度的安排，艺术远离了日常生活。
譬如，像仇英的《桃源仙境图》，文徵明的《游吴氏东庄图》，对苏州人来说，应该是很亲切的。那恍若仙境、平远清旷的意境，那远离尘嚣、神思高古的意趣，反映了那个时代的文人情趣。我们从中可以感受到一丝愁绪，几许沉思，陶然其中而又怅然若失——一种对嘈杂喧嚣的一种逃离，对内心平静的渴望。
明 仇英《桃源仙境图》局部，天津博物馆藏
但是，这些作品多深藏在博物馆、收藏家那里，跟我们什么关系呢？当然，我们可以说，它们构成了苏州这座城市的文化底蕴，但假如感知不到，不可触及，那么如何跟我们普通人、跟我们日常生活发生具体的关系呢？如何发生关系呢？数字化就是一个绝好的契机！也就是对原有的艺术作品进行数字化转化。
你可以为它悼念,却无法改变它的坚持.感想:1.这一阙,确实是这样,没有华丽的词藻,也没有新奇的句型,就这样平平淡淡的道出了一个真理,后人会有多少次的感叹:人生若只如初见.2.想唱就
孩子们与光影装置艺术互动。陈霖摄于浦东美术馆
莫高窟第420窟全景漫游，数字敦煌，敦煌研究院
推荐好书《手心里的阳光》书名：《手心里的阳光》作者：黄春华 主要内容：雨桐自幼与外婆生活在内地，父母在一个叫兰亭的地方努力拼搏，过上富足的生活，几乎不和雨桐联系。雨桐盒父母之间有着深层的隔阻，她认为自己被忽略，。
这种连接的一个突出表现是，艺术的数字化鼓励对经典的艺术进行现代转化，使其融入现代生活之中。譬如，荷兰国家博物馆2013年在新版官方网站上推出网上画廊，陆续全面开放供用户免费下载使用的高清藏品图片，包括无损TIFF格式图档在内的其拥有版权的所有藏品图片，并不对图片使用进行任何限制。博物馆发布藏品信息、高清影像、鼓励用户创造性使用，每两年举办一次国际设计大奖。他们邀请公众以馆内藏品为灵感，创作自己的艺术，不受形式限制。从平面设计，到装置艺术，应用艺术，再到服装设计，摄影摄像，只要你受到艺术品的任何启发，都可以参赛。于是，有人在名画的启示下，设计了眼罩，做帽子，等等。
荷兰博物馆网上画廊，网页截图
《安娜卡列尼娜》读书心得感悟及体会 篇1 安娜·卡列尼娜是一个具有及产阶级个性解放思想的贵族妇女。她不满于封建婚姻,追求真挚自由的爱情。当她不顾丈夫的威胁,公然与青年军官渥伦斯基结合在一起时,整个上流社会就一起向她施加种种可怕。
其二，当艺术采用数字化相关技术时，可以直接介入人们的现实生活，触发人们探索自身的奥秘。譬如土耳其艺术家阿那多尔的《融化的记忆》，将人脑中难以捉摸的记忆检索过程转化为数据集，并以沉浸式的创意方式对其予以呈现。整个项目由数据绘画、增强数据雕塑和光投影组成，LED 媒体墙 和 CNC 泡棉为参观者呈现了对人脑内部运动的形象阐释。中央美术学院集体创作的装置《呼吸共同体/Respiratory Community》，通过可穿戴设备采集人体的数据信息，探讨未来对人体数据的采集形式，样本取自世界不同国家和地区，用灯光展示采集到的人体温度的信息，光的闪烁隐喻着生命的呼吸；观众则可以通过远程操控现场的设备，与装置进行互动，感受疫情之下共同的命运。
图片来自网络
2020年3月12日至26日，美国艺术家Kaws联合艺术机构Acute Art推出AR艺术项目《假期》（扩展版），在多哈、伦敦、 墨尔本、 纽约、巴黎、香港等全球12个城市的标志性地点，运用基于位置地理信息的原理，观众打开Acute Art的App，就能看到巨大的公仔形象（名为Companion）调皮地捂着眼睛，出现在自己身处的空间。
有的艺术家还自觉地利用公众的在线行为展开艺术实践。如阿根廷艺术家阿玛利亚·乌尔曼对 Instagram 上的三类用户——嬉皮女孩、拜金女孩、以及热衷健康生活的邻家女孩进行了深入研究，运用她们在 Instagram 上所呈现的穿着、语言等风格，创造了一个“来到大城市”、“想成为模特”、“拜金、想彻底改变生活方式”的“乡村女孩”形象，接着又通过观众对于照片的回应，对于女性在自拍充斥的社交媒体中进行“装束凝视”和“美的迷思”的研究。艺术家如此深入且多层面地与公众互动，表明艺术的介入与艺术的接近、触达、体验汇聚成艺术的共享。
![[俄]列夫·马诺维奇《新媒体的语言》作品简介与读书感悟](http://img.tianshugan.com/tsg/tp/1.jpg)
其三，与上一点相联系，艺术的数字化不仅塑造了沉浸式体验与互动式观赏，而且促进了公众的参与。艺术家与观众之间的边界开始松动与模糊，有些数字艺术需要在公众的参与和协作下完成。如德国艺术家莫尼卡·弗莱什曼、沃尔夫冈·斯特劳斯和克里斯蒂安-A.比恩共同创作的装置艺术作品《流动视图》，以一个嵌入基座的屏幕的形式，建构了一个虚拟水池；观众俯身在基座上方，可以看到他们在显示器上的映像，而他们在屏幕上的触摸则会制造出一种由算法产生的波形，这种波形扭曲了图像。观众在与作品的这种交互中，不仅实现了作品的动态呈现，而且也通过算法控制图像唤起观众的自我审视，对自我与技术之间的关系有了更深刻的体认。
《流动视图》，网上视频截图
在更广泛的意义上，可以说，艺术的数字化在公众的接受中得到延续、拓展。不管是网上艺术，还是实体的艺术，观众通过拍摄、制作、上传、转发等一系列行动，展开艺术的再媒介化。艺术扩散的过程因为不断被再媒介化，而具有更丰富的生成性。像抖音和B站等视频社交空间，许多用户能够熟悉地操弄影像技术，往往以影像剪辑的方式对母本进行引用、加工和阐释，生成更多的影像表达。大量非体制内的、非专业的人士，以UGC的方式展开往往带有亚文化色彩的艺术创作，由此推进了艺术与日常生活的连接。
上述艺术的数字化特点，在“世间乐土：吴县文物数字展”中均有不同程度的体现。这个展览运用全景摄影、三维重建、无人机航拍、 3D打印、多媒体互动等数字化技术，精确还原不可移动的文物材料，并将对这些材料深入细致的解读融入艺术化的展陈之中，让千百年来整个吴县范围内的日常生活成为可以触达与感知的艺术景观。由此形成了艺术在城市公众与城市感知之间的连接方式，作用于公众的体验。展览从策展到调研到展陈的过程，利用城市的“质料”，而形成“操作指南”或“空间导航”的形式框架，蕴含了公众感知的条件、视角乃至观念。
“世间乐土：吴县文物数字展”特展现场
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